法國五月揭幕展覽—— M+黑白攝影展 齊集逾170位中外攝影師經典作品

身處數碼時代，彩色影像當道，若回顧攝影史，攝影術自1839年公諸於世以來，黑白攝影主宰百多年，一直有其獨特魅力。M+博物館與法國國家圖書館共同策劃展覽《黑白──攝影敘事》（Noir & Blanc — A Story of Photography），帶來逾170位攝影師的逾250幅重要作品，包括布列松、Robert Frank、Ansel Adams等大師的經典之作，同時也能欣賞森山大道、何藩、張照堂等亞洲重要攝影師的影像，藉此凸顯黑白影像在攝影史的重要地位，讓更多人認識黑白攝影的魅力。

TEXT BY 顯影 PHOTOGSTORY  
PHOTO COURTESY OF M+ & BNF

M+大型黑白攝影展 

呈現法國國家圖書館珍藏有逾30年歷史的法國五月藝術節（French May Arts Festival），每年均舉辦多場藝術及文化活動，涵蓋藝術、電影、音樂、戲劇等範疇。為配合展覽《黑白──攝影敘事》舉行，今年French May開幕節目更罕有提 前至三月份舉行，呈現法國國家圖書館（Bibliothèque nationale de France，簡稱BnF）的重要攝影藏品。

作為法國最大圖書館，法國國家圖書館藏有600萬張照片，是全球規模最大的攝影收藏，囊括Man Ray、Diane Arbus、William Klein、Bill Brandt等世界各地攝影師作品。這次在M+舉辦的大型攝影展，是這批藏品首次在亞洲大規模公開展出，結合M+館藏的石元泰博、何藩、郎靜山、劉香成和邱良等作品，以1915年到2019年的黑白相片為主題，展覽擺脫以年份或地區歸類的展示方式，透過對比照片的光影及灰調等，呈現出黑白攝影的魅力與多元表達方式。

光影與色景：黑白攝影的敘事

展覽分為三個主題，分別是對比、光影、色景。在「光影 Light and Shadow」展區，可見多位攝影師以獨特的光影效果突出相片氛圍。兩位美國攝影師Paul Strand與 Charles Harbutt的影像，利用光影營造出充滿戲劇性的畫面，當兩幅作品並置展出時，光線彷彿從相片穿透至另一張照片，令影像產生有趣的關聯。

此外，香港攝影師何藩與日本攝影師田原桂一的作品，則以高反差的光影效果形成對比。田原桂一以光線為主題，透過物體烘托光線；擅於街頭攝影的何藩，總能捕捉充滿美麗光影的照片，這在他1959年於中環街市拍攝途人與水磨石樓梯的《迷離世界》可見一斑。何藩不僅拍攝技巧出色，黑房技術也相當了得，在其處理下，相片有更強烈、戲劇性的光影對比。

另一主題「色景Colour Chart」則顛覆傳統的展示方式，將數十張照片根據灰色調的細微差別並排展出，從幾乎全黑的照片慢慢過渡至幾近白色的影像，這些照片的主題、年代等不盡一致，然而在灰色調的線譜上，呈現出不同的面貌與節奏。我們常說的黑白攝影，其實黑與白只是光譜的兩端，「色景」主題以生動例子展示黑白攝影的層次。

法國攝影大師：布列松與Willy Ronis

法國是攝影術誕生地，孕育出多位出色攝影師，展覽現場可見兩位法國攝影師Willy Ronis與布列松的作品，他們均擅於在日常生活中捕捉不平凡的畫面，也為二十世紀的法國留下珍貴的視覺見證。

Willy Ronis的攝影生涯長達75年，是首位為美國著名雜誌《LIFE》拍攝的法國攝影師。1946年，他加入Rapho攝影通訊社，這裏是法國人文主義攝影（Humanist Photography）搖籃地，藉著攝影記錄法國的人文與文化，在日常生活中發掘幽默、浪漫、詩意的瞬間。布列松則在1947年與Robert Capa等人成立馬格蘭攝影通訊社（Magnum Photos），同樣以隨身攜帶的小型相機快速而敏銳地捕捉有趣的畫面。在1952年著作《The Decisive Moment》中，他提出「決定性瞬間」理論，對後世影響深遠。

展覽現場將法國國家圖書館兩幅館藏作品並置展出，Willy Ronis拍攝小女孩在威尼斯一座橋上走過，而布列松則捕捉一名男子跳過水窪的瞬間，定格經典一刻。兩幅經典影像一同展出時，也有相得益彰的效果。

亞洲攝影師代表：森山大道與張照堂

在法國國家圖書館的攝影藏品中，不乏奈良原一高、內田京子及森山大道等日本攝影師名字，今年86歲的森山大道，原本修讀平面設計，20歲時受美國攝影師William Klein經典攝影集《紐約》影響，開始在大阪街頭拍照，之後他成為攝影家細江英公助手，並在1964年成為獨立攝影師，至今恰好60年。

他早期的代表作，是1968年與實驗電影大師寺山修司共同創作的首本攝影集《日本劇場寫真帖》，以高反差、粗微粒風格拍攝脫衣舞孃、劇團演員肖像等，用充滿視覺衝擊的黑白影像回應時代的動盪與變遷，同時挑戰精緻、唯美的傳統攝影觀念。而在M+館藏作品中，也涵蓋多位亞洲攝影師的影像，如細江英公、陳汝炬及曾廣智等，過往曾零散在M+展覽中亮相，如今則難得同場展出。這邊廂，邱良在灣仔拍攝經典之作《儷人行》，捕捉兩名長衫女子的背影，寫實而有詩意。另一邊廂在1960年代的台灣，自學成才的年輕攝影師張照堂，受存在主義和荒謬劇場等西方思潮影響，透過影像表達劇場感與荒謬感，在其出生地板橋拍攝的「無頭人像」是他的成名作，藉此表現虛無主義或空無所有的感覺，即使以今天標準來看，照片仍很前衞。

黑白攝影的想像空間與抽離現實

許多人以為彩色攝影是數碼時代的產物，其實不然，早於上世紀初，法國發明家Lumière兄弟已發明彩色底片，只是色彩效果不太自然。1935年，柯達公司研發出彩色菲林，慢慢在商業攝影及旅行照片等領域流行，然而在藝術領域依然難佔一席位。推崇黑白攝影的布列松曾說，彩色照片是一種記錄手段，不是一種藝術表達。

轉捩點是1976年，美國攝影師William Eggleston在紐約MoMA舉辦彩色攝影展，才逐漸改變這現象，如今更成為攝影創作的主旋律。黑白攝影雖然缺乏色彩，但它作為一種表達形式，卻能營造出更多想像空間，至今仍被許多攝影師推崇。著名攝影師Elliott Erwitt形容「色彩是描述性的，而黑白是有詮釋性的（Color is descriptive. Black and white is interpretive）。」M+總策展人鄭道練也強調黑白攝影的魅力：「商業攝影及社交媒體中的影像色彩過度飽和，黑白攝影仍能以震撼力和詩意的對比引人入勝。」美國攝影師RobertFrank則形容黑白攝影能「脫離現實」（Black and white photography is truly quite a 'departure from reality'）。相比起彩色影像，黑白攝影無疑更有懷舊氣息，令人難以判斷照片的年代。在觀看照片時，沒有色彩的干擾，黑白影像能讓觀者更聚集在事物主體，感受攝影師所表達的情感與氛圍。更重要的是，在影像泛濫、瞬間滑過的世代，展覽現場的銀鹽照片，不但更能呈現影像細節，透過不同空間及主題的展示，也能呈現出不一樣的敘事方式，令觀者思考影像的意義。